Adulte

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M’APPELLE MOHAMED ALI

Un groupe d’interprètes noir·es s’emparent de la scène comme Mohamed Ali s’emparait du ring : voler comme un papillon et piquer comme une abeille. La boxe est une formidable métaphore du combat des Noir·es, et ce, autant lors d’un combat pour l’égalité dans une société blanche que dans la lutte de tout acteur ou actrice racisé·e pour prendre de plus en plus sa place et sa liberté sur les scènes québécoises. Armée de la langue tranchante de l’immense auteur congolais Dieudonné Niangouna, énergisée par la gestuelle explosive de la chorégraphe Claudia Chan Tak, la distribution impose brillamment l’unité d’une présence noire et de sa pluralité de cultures, de générations et de parcours. 

Un comédien se prépare à entrer en scène pour jouer le rôle de Mohamed Ali, raconter ses combats, ceux du boxeur, comme sa victoire contre George Foreman à Kinshasa en 1974, mais surtout ceux de l’activiste politique, dont son refus d’aller combattre au Vietnam – un soliloque qui ramène sans cesse l’acteur à sa propre condition.

En faisant de ce monologue un récit de plusieurs voix, les questionnements, les expériences vécues et les actes qui y sont racontés prennent une puissante ampleur collective. Tour à tour et dans un esprit d’unité, les corps se retrouvent traversés par l’acteur, par Ali et par la vie au Québec. 

Le spectacle est en français, mais il y a des surtitres en anglais le 6 avril à 15 h.

Texte : Dieudonné Niangouna | Mise en scène : Philippe Racine et Tatiana Zinga Botao

Une production du Théâtre de La Sentinelle, en coproduction avec le Théâtre de Quat’Sous et le Festival TransAmériques. 

Théâtre de la Vieille 17

Auteur : Dieudonné Niangouna

Mise en scène : Philippe Racine et Tatiana Zinga Botao

Interprètes : Oumy Dembele, Vlad Alexis, Lyndz Dantiste, Martin-David Peters, Franck Sylvestre, Rodley Pitt, Widemir Normil, Philippe Racine

Assistance à la mise en scène et régie : Delphine Rochefort

Scénographie : Marie-Ève Fortier

Costumes, maquillages et coiffures : Ange Blédja Kouassi

Éclairages : Valérie Bourque 

Conception sonore : Elena Stoodley

Conseil aux mouvements : Claudia Chan Tak

Direction de production et direction de tournée : Mathilde Boudreau et Juliette Farcy

Direction technique : Valérie Bourque

Direction technique à la création : Jean Duchesneau

Direction de production à la  création : Martin Émond

Assistance à la mise en scène et régie à la création : Jasmine Kamruzzaman

Remerciements : 

À la Fondation Cole, à l’Espace le vrai monde ? et à Yves Nicol et Jonathan Charland

75 minutes sans entracte

Discussion après-spectacle le 5 avril 2024.

Surtitres en anglais le 6 avril à 15 h.

Diffusion d’un documentaire sur Mohamed Ali au Bistro de La Nouvelle Scène Gilles Desjardins le 28 février à partir de 17 h. Bouchées et breuvages fournis.

Rencontre littéraire le samedi 6 avril à partir de 14 h. Une rencontre avec l’auteur Blaise Ndala, qui nous plongera dans l’univers de J’irai danser sur la tombe de Senghor, paru il y a 10 ans, en tissant des liens entre le roman, sa carrière et le spectacle M’appelle Mohamed Ali à l’affiche à La Nouvelle Scène Gilles Desjardins.

Crédit : Yanick Macdonald

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ALTERINDIENS

Angel est un jeune homme rêvant d’écrire le premier livre à succès de science-fiction autochtone ; quant à Corinne, de onze ans son aînée, c’est une jeune femme d’origine juive qui enseigne la littérature autochtone à l’université. Un soir, sans l’ombre d’une consultation, des amis sont invités à la table du couple. Ces derniers sont l’image même de toutes leurs contradictions, représentant deux clichés sociaux à l’extrême l’un de l’autre : les « chums » autochtones activistes radicaux d’Angel et les amis intellectuels environnementalistes et végétaliens de Corinne.

Au menu de cette satire se trouve un portrait de nos différences culturelles irréconciliables, de la viande d’orignal et d’une lasagne végétalienne. Tout est donc en place pour le grand déploiement de cette comédie de situation qui permet de déjouer les rôles prédéterminés et d’ouvrir la porte à un espace de conciliation.  

Pour les 14 ans et +.

Activité spéciale : Breuvages et bouquinerie le 16 mars à 18 h

Entretien animé par Isabelle Bartkowiak, directrice artistique du Théâtre Catapulte, lors duquel elle demandera aux artistes d’alterIndiens Charles Bender, Xavier Watso et Étienne Thibeault de nous partager leur coup de cœur de la littérature autochtone. Et ce, en dégustant des bières et des thés d’artisans autochtones

Texte de Drew Hayden Taylor, traduction de Charles Bender, mise en scène de Xavier Huard

Productions Menuentakuan.

Théâtre Catapulte.

Texte : Drew Hayden Taylor

Traduction : Charles Bender

Mise en scène : Xavier Huard

Distribution : Xavier Watso, Charles Bender, Nathalie Tannous, Violette Chauveau, Étienne Thibeault et Lesly Velasquez

Scénographie et costumes : Xavier Mary et Meky Ottawa

Conception sonore : Étienne Thibeault et Saali Keelan

Éclairages : Gonzalo Soldi

Assistance à la mise en scène et régie : Jasmine Kamruzzaman

Direction technique : Jean-Christian Gagnon

Direction de production : Alexandre Colpron

1 h 40

Discussion après-spectacle le 15 mars 2024.

Surtitres en anglais pour toutes les représentations.

Breuvages et bouquinerie le 16 mars à 18 h : Entretien animé par Isabelle Bartkowiak, directrice artistique du Théâtre Catapulte, lors duquel elle demandera aux artistes d’alterIndiens Charles Bender, Xavier Watso et Étienne Thibeault de nous partager leur coup de cœur de la littérature autochtone. Et ce, en dégustant des bières et des thés d’artisans autochtones.

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DANS LA NUIT OU ÉTAIT-CE PLUTÔT LE MATIN

Dans la nuit ou était-ce plutôt le matin invite et plonge les spectateurs dans les méandres d’une commotion cérébrale, explorant ses effets à travers un mélange unique de texte théâtral, de vidéos et lumières immersives et d’un environnement sonore qui traverse la peau. Deux Femmes et un Chevreuil se déploient sur scène, mêlant vulnérabilité, résilience et humour, révélant ainsi les fissures de notre société obsédée par la performance. Entre récit intime, douceurs et touches de fiction décalée, Dans la nuit ou était-ce plutôt le matin est une exploration artistique éclairante sur les aspects complexes de la condition humaine.

Le texte, terminé en 2021, a d’abord été présenté en 2019 en lecture publique lors du festival de Lecture Scénique à Kinshasa (R.D.Congo). Puis il a reçu un soutien dramaturgique de Théâtre Action (Ottawa) et a été sélectionné dans le cadre de la 5e édition du festival Feuilles Vives; le Théâtre du Trillium est alors le partenaire de diffusion. Frappé par la pandémie, ce qui devait être un laboratoire scénique prend la forme d’un court métrage qui fut sélectionné aux Rendez-vous du Cinéma Québécois. À l’été 2021, 120 heures de recherche sont réalisées grâce à un appui financier important du Conseil des Arts du Canada et d’une résidence artistique au Trillium. Nourri par ses nombreuses étapes, le projet est maintenant prêt à rencontrer le public.

Pour le tout public à partir de 14 ans.

Ce spectacle est présenté par La Presse.

Un texte d’Elaine Juteau.

Une mise en scène d’Elaine Juteau et de Louis-Philippe Roy.

Une production de Territoire 80 en collaboration avec le Théâtre du Trillium

Théâtre du Trillium

Texte : Elaine Juteau 

Mise en scène : Elaine Juteau et Louis-Philippe Roy

Régie de répétitions : Emily Payeur

Interprètes : Gabrielle Brunet Poirier, Alexandre Gauthier et Elaine Juteau 

Conception vidéo : Yves Whissell

Conception sonore : Thomas Sinou

Conception lumières : Mélanie Whissell

Scénographie et accessoires : Andrée-Ève Archambault

Spécialiste en mouvement : Laurence Castonguay Emery

Création des panaches : Emilie Racine

Direction de production : Julie Guénnéguès (Théâtre Aux Écuries)

Direction technique de création : Yves Whissell

Conseillère dramaturgique : Miriam Cusson

Le projet a bénéficié du soutien du Conseil des Arts du Canada à l’étape de la recherche et de la production. Il a également reçu le grand soutien du Théâtre du Trillium, de l’appui de Théâtre Action, du Festival Feuilles Vives, d’Agnès Création, du Centre de services du Théâtre Aux Écuries, de Culture Outaouais et de La Nouvelle Scène Gilles Desjardins pour la création de son spectacle Dans la nuit ou était-ce plutôt le matin.

Territoire 80 tient aussi à remercier les artistes suivants pour leur implication à différentes étapes du processus : Marie-Thé Morin, Marie-Eveline Bélinga, José Claer, Barbara Audray Bergeron, Kiesse Gloire Loubanzadio et Natalie Fehéregyházi.

1 h 20 (sans entracte)

Ce spectacle est conçu pour une plus petite jauge, aucun retardataire ne sera admis.

Certains passages du spectacle contiennent des effets stroboscopiques et un environnement sonore fort.

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MEMBRANE

« La question de ce qui est humain et de ce qui ne l’est pas reste ouverte. »

Enfant, Momo a contracté un grave virus l’obligeant à vivre durant trois ans en isolement, dans une bulle aseptisée. De multiples transplantations d’organes artificiels lui ont sauvé la vie, bien que l’expérience traumatisante ait érodé sa relation avec sa mère. Momo a pu devenir malgré tout une esthéticienne prisée, la seule à offrir de prodigieuses et mystérieuses membranes invisibles qui protègent la peau et magnifient l’existence. À la veille de son trentième anniversaire, elle s’apprête, remplie d’appréhensions, à revoir sa mère pour la première fois depuis vingt ans. Des retrouvailles qui éclaireront son passé et chambouleront son avenir.

Membrane est le premier roman de science-fiction queer en langue chinoise, écrit en 1995 par l’auteur taïwanais Chi Ta-wei, fervent défenseur des droits LGBTQ+. L’histoire se déroule dans un futur éloigné où l’écologie est bouleversée par le capitalisme et la surface terrestre n’est plus qu’industries et champs de bataille. L’humanité a dû s’établir dans des cités sous-marines où elle a pu renouer avec les plaisirs de l’esprit et de la chair. La sexualité et le genre ont acquis une fluidité stupéfiante. Alors que les identités et les corps sont en constante métamorphose, une question fondamentale se pose : qu’est-ce qui définit l’être humain ?

Après Les employés d’Olga Ravn la saison dernière, Cédric Delorme-Bouchard poursuit sa démarche d’écriture scénique autour des univers futuristes. Le metteur en scène et scénographe transpose à la scène ce texte novateur, dans une adaptation empreinte de sensibilité de Rébecca Déraspe. Entre ombre et lumière, dystopie et utopie, la pièce portée par six interprètes exceptionnel·les creusent avec humanité les notions d’identité et de libre arbitre. Une œuvre en puissante résonance avec le monde d’aujourd’hui.

Texte : Chi-Ta Wei

Adaptation : Rébecca Déraspe

Mise en scène : Cédric Delorme-Bouchard

Une création du Prospero et de Chambre noire.

Théâtre du Trillium.

Interprétation : Amélie Trottier, Evelyne de la Chenelière, Pascale Drevillon, Marie-Christine Lê-Huu, Sébastien René, Ines Talbi

Scénographie : Cédric Delorme-Bouchard

Lumière : Cédric Delorme-Bouchard

Costumes : Marie-Audrey Jacques

Accessoires et effets spéciaux : Olivier Proulx

Conception sonore : Simon Gauthier

Dramaturgie : William Durbau

Mouvements : Danielle Lecourtois

Assistance à la mise en scène : Sandy Caron

Conception vidéo et régie : Samuel Boucher

Direction technique : Michel Saint-Amand

Direction de production : Catherine Comeau

1 h 30

Fumée et effets stroboscopiques

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DARKMATTER

Corps, peux-tu devenir (être) une hypothèse, une galaxie en pleine accélération, une monstrueuse étoile liquide qui n’arrive pas à mourir ?

Dans le duo DARKMATTER, Cherish Menzo et son partenaire Camilo Mejia Cortés cherchent, avec l’aide d’un Distorded Rap Choir (chœur rap distordu), des manières de détacher leurs corps de la réalité quotidienne de cette perception imposée dans laquelle ils évoluent. 

Pour DARKMATTER, Menzo puise son inspiration dans le post-humanisme, qui a comme intention de transcender la corporalité. Elle passe également l’afrofuturisme au crible, ce qui revient à considérer la science-fiction, la technologie, le fantastique, etc. d’un point de vue africain ou noir. La forme humaine devient quelque chose de réalisable qui nous permet de rêver. Menzo tisse également une couche poétique s’inspirant de l’astronomie. Elle s’intéresse, entre autres, à la matière noire et aux trous noirs qui se rencontrent et entrent en collision pour ainsi engendrer un nouveau corps futuriste et énigmatique. 

DARKMATTER veut faire table rase de cette façon préconçue de regarder son propre corps, le corps de l’autre et des histoires que nous attribuons à ces derniers. Menzo se jette corps et âme dans la mêlée, ce qui donne lieu à une conversation complexe qu’elle désire à la fois engagée et dépassée. C’est cette dualité que DARKMATTER contribue à alimenter. 

De même que dans JEZEBEL, elle étend son vocabulaire gestuel en y intégrant des techniques issues de la musique hip-hop. Elle applique de la sorte la méthode Chopped and Screwed à ses mouvements, un procédé qui ralentit considérablement le tempo de la musique. En étirant les notions de temps, le registre change et le corps performant surgit.      

  AVERTISSEMENTS :

Lumière stroboscopique, fumée, bruits forts, noir complet, nudité. 

Bouchons d’oreille disponibles pour les oreilles sensibles.

Cherish Menzo

PRODUCTION : GRIP, Frascati Producties

COPRODUCTION : Kunstenfestivaldesarts (Bruxelles, BE), CCN-Ballet national de Marseille dans le cadre de l’accueil studio / Ministère de la Culture (FR), actoral festival (Marseille, FR), STUK (Louvain, BE), La Villette (Paris, FR), Festival d’Automne à Paris (FR), Beursschouwburg (Bruxelles, BE), Perpodium (BE)

Théâtre du Trillium.

PREMIÈRE : 12-15 mai 2022, Beursschouwburg/Kunstenfestivaldesarts Bruxelles (BE)

CONCEPT ET CHORÉGRAPHIE : Cherish Menzo

CRÉATION ET PERFORMANCE : Camilo Mejía Cortés et Cherish Menzo

CONCEPTION LUMIÈRES : Niels Runderkamp

COMPOSITION MUSIQUE : Gagi Petrovic and Michael Nunes

MIXAGE : Gagi Petrovic

COSTUMES : JustTatty.com

SCÉNOGRAPHIE : Morgana Machado Marques

DRAMATURGIE : Renée Copraij

STAGE PRODUCTION : Pauline Van Nuffel

COACH VOCAL ET CHANT : Daniël Bonsu et Shari Kok-Sey-Tjong

CONSEIL ARTISTIQUE : Benjamin Kahn, Christian Yav and Nicole Geertruida

VOIX DISTORTED RAP CHOIR via www.distortedrapchoir.com

AVEC DES RÉFÉRENCES ET DES FRAGMENTS DE :

Acte I de l’opéra américain « Troubled Island » de William Grant Still (1949)

‘BLACKSPACE: ON THE POETICS OF AN AFROFUTURE’

‘The Mask’ de Paul Laurens Dunbar 

Chorégraphie issue des clips vidéo de Missy Elliot: ‘Throw it back’ (2019). (Si vous êtes le ou la chorégraphe ou le/la détenteur des droits, veuillez contacter GRIP, afin que nous puissions vous mentionner correctement.)

La Mythologie du duo américain de musique électronique Drexciya

RÉSIDENCES : STUK (Louvain, BE), La Villette (Paris, FR), Frascati (Amsterdam, NL), Beursschouwburg (Bruxelles, BE), CCN-Ballet national de Marseille dans le cadre de l’accueil studio / Ministère de la Culture (FR)

EN COLLABORATION AVEC : Trill (Louvain, BE), WijzijnDOX (Utrecht, NL), De Coproducers (NL)

SOUTIEN FINANCIER : gouvernement flamand, The Performing Arts Fund NL, le tax shelter fédéral du gouvernement de Belgique et Cronos Invest

Lumière stroboscopique, fumée, bruits forts, noir complet, nudité. 

Bouchons d’oreille disponibles pour les oreilles sensibles.

Discussion après-spectacle le 16 février 2024.

Crédit : Bas de Brouwer

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Confession Publique

Son titre agissant comme une promesse, Confession publique explore l’ambiguïté et les paradoxes, ausculte le noble et le vulgaire, oscille entre la grâce et la brutalité. La chorégraphe Mélanie Demers fait de sa fidèle collaboratrice, Angélique Willkie, sa muse. Ces deux âmes sœurs créatrices creusent ensemble l’acte de se raconter sans pudeur. En résulte un solo coup-de-poing, où les anecdotes deviennent secrets douloureux et où le corps révèle autant, sinon plus, que les paroles.

La confiance qui émerge de la rencontre profonde entre ces deux artistes permet un dévoilement total, une mise à nue courageuse. Sur le plateau, Willkie, matière première du spectacle, ne peut échapper au regard. Auprès d’elle, une présence énigmatique, tantôt dévouée, tantôt hostile, manipule l’espace et l’organise. Avec sa voix puissante et sa présence envoûtante, la performeuse nous livre la beauté et les tréfonds de son âme, avec force et fragilité.

Discussion
Prenez note que la représentation du vendredi 17 mars sera suivie d’une discussion avec les artistes.

Mélanie Demers et Angélique Willkie

MAYDAY

Théâtre du Trillium

Idéation, mise en scène et chorégraphie : Mélanie Demers

Interprétation : Angélique Willkie avec la participation d’Anne-Marie Jourdenais

Direction des répétitions : Anne-Marie Jourdenais 

Dramaturgie : Angélique Willkie

Musique originale : Frannie Holder
Musique additionnelle : extrait de The Fairy Queen, composé par Henry Purcell et chanté par Angélique Willkie 

Scénographie : Odile Gamache 

Lumière : Claire Seyller 

Costumes : Elen Ewing 

Direction technique : Hannah Kirby

Direction de production : Mélanie Primeau

Remerciements : Éléonore Loiselle

Réalisation et montage de la captation : Sandrick Mathurin

Réalisation Teaser : Stefan Verna